О происхождении изобразительного искусства. Основные теории возникновения искусства Теории происхождения палеолитического искусства

Первые памятники художественной деятельности первобытного человека встречаются в юго-западной Европе, в Азии, на территории бывшего СССР, в европейской части и в Южной Сибири.

Основными источниками изучения первобытного общества являются археологические памятники. Наука о первобытном обществе широко пользуется также данными геологии, антропологии, палеоботаники, истории, мифологии, фольклора.

Ещё в конце XIX века история искусств открывалась разделами, посвящёнными Древнему Египту и Ассирии и таким образом, хронологически не входила за пределы IV - III тыс. до н. э. Но вот почти одновременно с изобретением телефона и кино человечество открыло для себя искусство древнего каменного века - палеолитическую живопись и скульптуру. И сразу же временные рамки истории искусств раздвинулись до сорока тысячелетий. Впервые причастность охотников и собирателей к изобразительному искусству была засвидетельствована знаменитым археологом Эдуардом Ларте, нашедшим в 1836 году в гроте Шаффо (департамент Вьенн) пластинку с гравировкой. Ларте опубликовал ее в 1861 году. Он же обнаружил изображение мамонтовой кости в гроте Ла Мадлен. Эта находка была воспроизведена в книгах 1860-1870-х гг., не вызвав особо острой полемики.

Иная судьба была у цветной наскальной живописи, открытой впервые в 1879 г. Речь идет о большой пещере Альтамира на севере Пиренейского полуострова.

В 1878 г. на Всемирной выставке в Париже испанский сеньор Марселино де Саутуола увидел орудия первобытного человека, его украшения, резьбу, добытые в пещерах долины реки Везер, притока Дордони. Саутуола вспомнил, что в 1862 году его слуги на охоте обнаружили большую подземную пещеру близ селения Альтамира. Саутуола решил заняться раскопками в этой пещере, предварительно взяв несколько уроков у археолога Пьетта. Первые поиски остались безрезультатными. Но в конце 1879 года были обнаружены каменные орудия. Ободренный успехом, Саутуола решил продолжать раскопки.

Однажды пятилетняя дочь Саутуолы Мария попросила взять ее с собой. И вот в низеньком боковом коридоре она увидела на потолке изображения красных быков. Она позвала отца, и тот был поражен, почувствовав на себе полный ужаса взгляд быка. Картины казались совсем свежими. Археологи заинтересовались открытиями Саутуолы. Наступил короткий период успеха. Но вот через некоторое время обстановка резко изменилась. На конгрессе в Лиссабоне по доистории вступили крупнейшие авторитеты в науке, заявляя, что живописи в Альтамире не более 20 лет и что здесь кроется прямой обман. Саутуола, покрытый позором, вскоре умер в одиночестве.

В кон. 80-х - нач. 90-х гг. XIX века во Франции стали появляться вполне достоверные сведения о находках палеолитического искусства, в том числе и пещерной живописи. Крупнейшие заслуги в изучении древнейшего искусства за рубежом принадлежали ученым Анри Брейлю, Пьетту, Картальяку, Леруа-Гурану и др. Среди русских ученых следует отметить труды А. Окладникова, А. Столярова, А. Формозова, Б. Фролова.

История первобытного искусства включает проблему происхождения искусства, не решенную окончательно до сих пор. Лишь во 2-ой пол. XIX века благодаря успехам археологии этот вопрос был поставлен на научную основу. Существует несколько теорий происхождения искусства .

1.”Богословская теория” - считалось, что искусство «божественный дар». Бог - творец всего мире, а посему любая часть вселенной, любое явление созданы Им. Человек не в силах объяснить весьма сложную, необычную природу искусства. Из этого и сложилась богословская теория.

2. Так называемая “имитативная теория” определяет искусство как проявление инстинкта подражания (Лукреций , Конт , Сеченов, Даламбер). Элемент подражания действительно имеет место в искусстве и особенно ярко выражается в первобытном искусстве. Различные формы танцев: охотничьи, военные и др. основаны на подражании повадкам животных и действиям, связаны с войной, охотой и др. В известном смысле с этой точки зрения можно рассматривать и первобытное искусство, особенно его самую раннюю натуралистическую фазу.

3. Теория “инстинкта украшения” (Дарвин , Гроссе и др.). Стремление к прекрасному толкает человека на различные шаги. Желая украсить себя и других, показать своё превосходство, сделать себе приятное человек создаёт, то что мы называем произведения искусства. Примером подтверждения этой теории могут служить нательные украшения - раскраска, татуировка и т. п. (бытует у большинства народов, находящихся на первобытнообщинном уровне развития). Что же касается надеваемых украшений: бус, ожерелий, колец, подвесок и т. п. - то они, как известно, широко распространены не только у так называемых “примитивных” народов, но полной мере сохраняются и в развитом современном обществе.

4. “Теория игры”. Её сторонники (Ф. Шиллер , Спенсер , К. Блюхер, В. Фриче и др.) считают искусство разновидностью игры. В веселой игре-искусстве люди избавляются от хлопот и невзгод. Главное в искусстве то, что оно возникает ради чистого, не омраченного помыслами о хлебе насущном удовольствиями. Нельзя не согласиться с тем, что игровой момент действительно важен в искусстве, но нельзя его абсолютизировать. Сейчас почти никто не разделяет такой точки зрения. Если бы целью древнего человека были бы только игра и наслаждение, то зачем ему потребовалось покрывать живописью стены пещер чрезвычайно далеко от входа, иногда на расстоянии более километра, в полном непроницаемом мраке? Зачем было создавать образы животных высоко на потолке, так что смотреть на них можно было, только запрокинув голову?

Давая оценку этим теориям, отметим их неполный ограниченный характер, преувеличенное значение всевозможных инстинктов, присущих человеку.

5. Материалистическая теория. Наиболее полно, научно обоснованно и исторически грамотно дает ответ на вопрос о происхождении искусства материалистическая теория. (Г. Плеханов, Я. Рогинский, К. Маркс, Ф. Энгельс). Г. В. Плеханов считал, что своим происхождением искусство обязано не биологической природе человека, не религии, магии или игре, как это утверждают метафизики, а развитию общественной жизни и её основе - труду, который, по его словам, “старше искусства” Г.В. Плеханов особенно подчеркивает определяющую роль социального фактора в появлении и развитии художественной деятельности человека.

Следует признать наличие прямой связи между появлением Homo sapiens (примерно 40 тыс. лет до н.э.) и началом художественной деятельности (примерно то же время). Таким образом, только появление общественного человека могло вызвать к жизни тот специфический вид сознательной деятельности, который мы называем искусством. Homo sapiens совершенствует технику обработки камня, расширяет применение новых материалов - кости и рога. Сознательная трудовая деятельность - отличительная особенность человека. Труд позволил человеку шаг за шагом открывать для себя новые явления природы и результаты производственной деятельности.

Первобытному человеку понадобилось сотни тысячелетий, чтобы проделать путь от грубого рубила до острого тонкого резца, которыми были выгравированы на камне первые изображения. Та же деятельность развила подвижность руки и сделала способной к художественному творчеству.

Постепенно в процессе активно преобразующей трудовой деятельности совершенствовался сам человек, развивалось его сознание. В процессе труда стало возможным развитие истинно человеческих чувств. Развитие в труде духовных способностей привело к постепенному формированию эстетического чувства и эстетической потребности. Эстетическое чувство породило эстетическую потребность, которая формировалась и совершенствовалась в процессе производственно-трудовой практики.

Теории происхождения исскуств

1. Биологическая теория происхождения искусства.
Эта теория берет свое начало от идей Ч.Дарвина. Сторонники данной концепции усматривают начало искусства в украшении самого себя для удовлетворения потребности привлечения внимание живого существа противоположного пола.
Теория основана на мнении, что способность к искусству, к художественному творчеству - врожденная способность человека, что он получает ее от природы. Однако "законы красоты" складывались исторически, постепенно. Они стали зарождаться с того времени, как в труде, в общении с природой человек стал чувствовать красоту, затем воплощать ее в своих произведениях и, наконец, понимать законы красоты. В этом процессе художественного творчества возникло и развилось эстетическое чувство человека.
2. Психоаналитическая теория происхождения искусства.
Основоположником данной теории считают З.Фрейда. По его мнению, искусство возникает из аффективных конфликтов психики, искусство - форма вытеснения и сублимации влечений человека (использование энергии элементарных влечений для более высоких целей).
3. Игровая теория происхождения искусства.
Основоположниками данной теории можно считать Г.Спенсера, Г.Аллена, К.Гросса и К. Ланге. Данные ученые видят основной причиной возникновения искусства потребность расходования энергии, которая осталась нерастраченной в трудовой деятельности. А также, причиной возникновения искусства считают необходимость "тренировки" для усвоения социальных ролей

Классификация.

Классифиация искусств:
-по форме существования
*пространст. (живопись, графика, скульптура, декоративное искусство, архитектура)
* временные (музыка, словесное искусство)
* пространственно-временные (театр, кино, танец).
-по отношению к пространству:
Пространственных исскуствах три рода:
* станковые (2-х,3-хмерные картины)(станковая живопись, станковая графика и т.п.),
* монументальные (монументальная скульптура, стенная живопись и др.)
*прикладные (типовая массовая архитектура, малая пластика, миниатюрная живопись, промышленная графика, плакат и др.).
-по сообщению художественного образа зрителям и слушателям:
* изобразительные (живопись, графика, скульптура и др.)
* выразительные (музыка, танец, архитектура и др.)
*словесные (литература)
* смешанные, синтетические (театр, кино и др.)
-по жанрам(типы произведений на основании общих черт):
Тематический принцип выделение жанров (на основе области действительности, отражаемой в произведении):
*бытовой*любовный*батальный*натюрморт*авантюрный*исторический* пейзаж
В современном искусстве наблюдается тенденция отрицания жанра как устойчивой формы художественного творчества (постмодернизм).
Различают искусства и псевдоискусства. Виды «псевдоискусств»:
искусство как: 1. Развлечение2. «магия»3. «загадка»4. «инструкция»5. «проповедь». .

Станковое и монументальное искусство

Станковое искусство

термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений С. и. не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «С. и.» произошёл от «станка», на котором создаются произведения С. и.; в живописи, например, им является Мольберт. Широкое развитие С. и. получило с эпохи Возрождения и особенно в 19 в.

Монументальное искусство

род искусств пластических. охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствующих ей своими идейными качествами.. относятся Памятники и Монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т. Д. К монументальному искусству относятся произведения больших форм, выступающие в синтезе с архитектурой, рассчитанные на массовое восприятие. Это настенная живопись, мозаика, витраж, памятники, мемориальные сооружения, парковая скульптура. Синтез с архитектурой, участие в оформлении городского пространства накладывает отпечаток на формы монументального искусства, он обуславливает размер, форму, характер пропорций,

Виды искусств.

Архитектура, живопись, Скульптура, графика, декоративно-прикладное иск., театрально-декоративное иск..

Скульптура как вид иск

Скульптура – ваяние, пластикапроизведения которого имеют объемную трехмерную форму и выполняются их твердых или пластичных материалов.
Скульптура – пространственно-изобразительное искусство, осваивающее мир в пластических образах, которые запечатлеваются в материалах, способных передать жизненный облик явлений.
Скульптура проявляет определенную близость к архитектуре: она также имеет дело с пространством и объемом, подчиняется законам тектоники и материальна по своей природе. Но в отличие от архитектуры она не функциональна, а изобразительна. Главными специфическими чертами скульптуры являются телесность, материальность, лаконизм и универсальность.
Материальность скульптуры обусловлена способностью человека осязать объем. Виды скульптуры:
- мелкая пластика [древние глиптики – резьба на полудрагоценных минералах; резьба по кости; фигурки из разных материалов, амулеты и талисманы; медали и т.д.];
- скульптура малых форм [статуэтки до полуметра];
- станковая скульптура [статуя, предназначенная для кругового обозрения];
- монументально-декоративная скульптура [рельефы, фризы на стенах, статуи на фронтонах, атланты и кариатиды, декорации фонтанов и т.д.];
- монументальная [надгробия, монументы, памятники]. Основными эстетическими средствами скульптуры выступают объем, силуэт, пропорции, светотень, т.е. построение объемной формы, пластическая моделировка, разработка силуэта, фактура, материал, иногда цвет.

6 первобытное и традиционное искусство.это современное, давно укоренившееся название различных видов изобразительного творчества, возникшего в каменном веке и продолжавшегося около 500 тыс. лет. В палеолите - древнем каменном веке, оно было представлено первобытной музыкой, танцами, песнями и обрядами, а так же геоглифами - изображениями на поверхности земли, дендрографами - изображениями на коре деревьев и изображениями на шкурах животных, различными украшениями тела при помощи цветных пигментов и всевозможных природных предметов, например бус, популярных и в настоящее время. Но всё перечисленное не способно противостоять натиску разрушительного времени. Поэтому, сохранились и были постепенно обнаружены лишь абстрактные знаки, выбитые искусственно на сверхтвёрдых скальных поверхностях, а так же анималистическая пещерная живопись, антропоморфная скульптура малых форм из кости и камня, гравировки и барельефы на кости, каменных плитках и роге времени верхнего палеолита (35.000 - 30.000 тыс.лет).Начиная с классической античности, художники стремятся выразить в своих произведениях индивидуальную манеру и неповторимость. В народном искусстве индивидуальность тоже присутствует, но уступает первое место традиции. И традиция сохраняет на столетия и даже на тысячелетия не только манеру изображений, но и их композиционные особенности. В этом главное сходство между традиционным и первобытным искусством. Традиционное искусство тесно связано с ритуально-мифологическим коллективным сознанием, которое наряду с верованиями и культами, предшественниками развитых религий, накапливало систему позитивных знаний, характерных для каждой этнической группы. Искусство, по сути, является средством передачи этого родового знания.. В традиционном искусстве эстетическое качество произведения не является самоцелью. Произведения традиционного искусства свидетельствуют о том, что традиционное творчество, очень разнообразное в своих национальных, племенных и региональных проявлениях, имеет глубокие местные корни, связанные законами исторической преемственности с искусством предшествующих эпох. Синонимом понятия "традиционное искусство" можно считать "народное творчество (искусство)". Народное искусство понимается как нечто исконное, автохтонное, изначально присущее данному этносу, племени или народности.

Жанры изобразительного иск.

На основе предмета изображения:

1Пейзаж, 2 Натюрморт , 3 Портрет, Анималистический – изображение животных 5Бытовой - изображение жизни людей , Батальный – изображение военных действий , Сказочно-былинный

4Исторический характера изображения (карикатура, шарж).

8проблема синтеза иск:

Синтез искусств.

Синтез искусств, органичное соединение разных искусств или видов искусства в художественное целое, которое эстетически организует материальную и духовную среду бытия человека. Архитектура и монументальное искусство постоянно тяготеют к объединению, создавая архитектурно-художественный синтез, в котором живопись и скульптура, выполняя собственные задачи, также расширяют и истолковывают архитектурный образ. В этом пространственно-пластическом синтезе обычно участвуют декоративно-прикладное искусство (средствами которого создаётся предметная среда, окружающая человека), а также нередко произведения станкового искусства.

Сочетание разных видов искусства, оказывающее многостороннее эстетическое воздействие. Единство компонентов синтеза искусств определяется единством идейно-художественного замысла. Архитектурно-художественный синтез искусств образуют архитектура, изобразительное и декоративное искусства (архитектурный ансамбль, здание, интерьер). Спектакль, кинофильм - синтез режиссерского, актерского искусства, литературы, музыки, изобразительного искусства и т. д.

Мегалитические сооружения.

доисторические сооружения из больших каменных блоков, соединённых без применения цемента или известкового раствора.Отдельную группу представляют собой мегалитические сооружения, то есть объекты в значительной степени состоящие из мегалитов. Они распространены по всему миру. В Европе, например, это Стоунхендж, сооружения Крито-микенской культуры или Египта. Их общей характерной особенностью являются каменные блоки весом порой более сотни тонн, часто доставленные из карьеров расположенных за десятки километров иногда с большим перепадом высот относительно места стройки. Как правило мегалитические конструкции не служили жильём, а от периода строительства до наших дней не дошло никаких записей о технологиях и назначении строительства. Наиболее сложный в планировочном отношении вид мегалитических памятников - кромлехи. Это концентрические ряды столбов-менгиров, соединенных каменными блоками-балками. В кромлехах, в том числе самом большом, находящемся в Стоунхендже (Англия) и относящемся к эпохе бронзы, существует строго продуманная система расположения каменных блоков. Распространены дольмены (от бретонского «толь» - стол, представляющие вполне законченный тип архитектурного сооружения, поскольку в них уже, помимо внешнего объема, существует и внутренний. До нас дошли остатки и других типов мегалитических сооружений, в том числе площадок для совершения магических обрядов, обусловленных особенностями существования людей того времени.

Искусство Среднего Царства

Литература Среднего царства донесла до нас размышления над проблемами бытия, сомнения в возможности загробной жизни, о чём свидетельствуют памятники письменности того времени: "Плач Ипувера" и "Пророчество Неферти

Фараон по-прежнему обожествляется, но он уже не царствует так абсолютно. Большие гробницы-пирамиды сменились впериод Среднего царства гробницами, вырубленными в скалах или небольшими пирамидами из кирпича-сырца, что было не так разорительно для страны, однако они оказались очень непрочными. Вход в скальные гробницы оформлялся портиками, в которых можно усмотреть прототип греческого дорического ордера.

Большое распространение в декорировании гробниц приобретают росписи. Преимущественно росписями, а не многоцветными рельефами декорировались стены гробниц номархов. Постепенно происходят изменения в канонах построения рельефов, художники стремятся изобразить человека таким, как он есть.

Строгие полные покоя фризы сменяются более свободно сгруппированными сценами, краски становятся нежнее и прозрачнее.

выработался новый тип скорописи: деловое иератическое письмо. Оно отличалось от староегипетских почерков и иероглифического письма.

Синтез иск в древнем египте

Снтез искусств – органичное сочетание различных видов изобразительного и декоративного искусства с архитектурой, имеющее целью создание целостного архитектурно-художественного произведения. Синтез искусств в древнем Египте можно было наблюдать на примере: Статуй пещерных храмов (арх+скульптура) Письмена на стенах (арх+каллиграфия) Декорированные колоны (арх+живопись)

Выдающимся примером синтеза египетского можно рассматривать катакомбы Ком-эш-Шукафа в Александрии, в которых запечатлены сложные образы греко-египетских божеств. Синтетический сплав греко-римской и египетской культур привел к новым формам в искусстве и религии, но Египет так и не был романизирован и нивелирован настолько, насколько были романизированы и латинизированы западные провинции римской империи. Синтез античной и древнеегипетской традиций в изобразительном искусстве породил новый своеобразный тип греко-египетского искусства.м

Витраж в искусстве готики

ВИТРАЖ - орнаментальная или сюжетная декоративная композиция (в окне, двери, в виде самостоятельного панно) из стекла или другого материала, пропускающего свет. Цветные витражи в окнах (напр., в готических соборах) создают игру окрашенного света в интерьере. Фреску заменил витраж . Витражи, помещенные в оконных проемах, наполняли внутреннее пространство собора светом, окрашенным в мягкие и звучные цвета, что создавало необычайный художественный эффект.

Почти до середины 12 века окна в храмах оставались сравнительно небольшими, поэтому в них могли поместиться лишь маленькие витражи с изображением нескольких сценок или одной крупной фигуры. Но после 1150 года начался процесс постепенного "растворения " стены: размеры окон неуклонно увеличивались. В конце концов, гладких стенных поверхностей осталось так мало, что архитектура, по существу, свелась к каркасу для окон. Первым пиком развития этой тенденции стали возведенные в конце 12 столетия соборы в Суассоне, Бурже и Шартре (Франция) и в Кентербери (Англия). Огромные окна этих зданий были украшены пластинами цветного стекла, образующими повествовательные циклы, многочисленные эпизоды которых создавали единую геометрическую структуру. Правда, витражи в окнах верхнего яруса центрального нефа по-прежнему содержали только одну-две сцены или одну фигуру. В первой половине 13 века в немецкоязычных областях сформировался и наряду с вариантами ранней французской готики вошел в употребление особый живописный стиль, во многом основанный на традициях византийского искусства. Произведения, выдержанные в этом стиле, изобилуют резкими линиями и острыми углами, из-за чего сам стиль получил название "угловатого’. Во второй половине 13 столетия "угловатый’ стиль постепенно приблизился по характеру к зрелой готике, сложившейся во Франции. Существует мнение, что высочайшим живописным произведением, созданным в Западной Европе до Джотто, т. е. до начального становления великой итальянской живописи Ренессанса, следует признать не фреску, картину или книжную миниатюру, а

43. Периодизация византийского искусства. Основные произведения Византийская империя - Римская империя в эпоху средневековья со столицей в Константинополе - Новом Риме. 1Период Константина Великого и Юстиниана. (5-8 вв.) 2Македоновский период. (9-11 вв.) 3Комниновский период. (11-13) 4 Палеологовский период. (13-15)

Самой замечательной равеннской постройкой 6в. является церковь Сан Витале, заложенная в 526г. и освященная в 547г. Это центрический купольный храм. С внешней стороны здание мало интересно: основной восьмигранный объем расчленен простыми вертикальными и горизонтальными тягами; над ними возвышается сухой по форме граненый барабан. Мозаика собора Св. Софии в Константинополе. Искусство мозаики Византия унаследовала от Древнего Рима. Мозаика складывалась из множества кусочков смальты - сплава стекла с минеральными красками. Византийские мастера мозаики пользовались всем спектром красочной палитры.

44.Символика храма Храмовое пространство и его декоративное оформление..

Алтарь, наиболее важная часть храма, всегда находится на восточной стороне храма. Алтарь – основная святыня храма, освящающая все здание, символически изображает «селение Божие».

Средняя часть храма, «корабль», представляет собой все земное пространство, где находится вселенская Христова Церковь. Средняя часть храма символизирует мир тварный, но уже обоженный, освященный, оправданный.

Иконостас - состоит из нескольких рядов икон, расположенных в определенном порядке.

Западная сторона храма символизирует «страну мертвых» и ад. Своды, купол - венчающая купол с изображением Христа, есть символ Христа – Главы Вселенской Церкви.

Столпы. - На четырех столпах, поддерживающих купол, изображены те, кто проповедовал слово Божие: апостолы, епископы, подвижники, мученики.

В 9-10вв росписи храмов приводятся в стройную систему. Стены и своды церквей покрываются мозаиками и фресками, расположенными в строгом иерархическом порядке и подчиненными композиции храма. В интерьере создается проникнутая единым содержанием художественная среда, в которую включаются и иконы, размещенные на иконостасе

45.Византийское искусство 11-12вв.Общая хар-ка. Основные произведения . Византийское искусство, явилось продуктом сочетания греко-римских и восточных элементов.

Архитектура продолжала развивать сложившиеся типы зданий, давая им новую трактовку. В церковном зодчестве наблюдается определившаяся к середине 11в. тенденция к вертикализму пропорций зданий. Живопись проникнута духом строгости и одухотворенности. Мозаики этого периода графичны, они культивируют линию и замкнутый контур. Формы становятся более декоративными, орнаментальными, они тонко и виртуозно прорисованы, но в них нет земной пластики. Художник стремился передать лишь отвлеченную духовную энергию, эмоциональную выразительность образа.

Во 2-ой половине 11в. был создан большой цикл мозаик в церкви монастыря Дафни близ Афин. Сюжеты распределены в строгой иерархической последовательности. Продолжал развиваться тип крестовокупольной церкви с куполом на высоком световом барабане. Во второй половине 11в. распространилась ювелирно тщательная манера исполнения мелких рисунков, вплетающихся в текст, украшающих. - Распятие. Мозаики церкви монастыря Дафни. Эта мозаика выделяется особым декоративным изяществом. Фигуры Христа, Марии и Иоанна, очерченные плавными линиями, уравновешены и гармоничны. Даже струйка крови изображена плавной линией.

46. Синтез искусств в Византийском храмовом зодчестве. Заимствовав формы от античной архитектуры, византийское зодчество постепенно их видоизменяло и в течение V века выработало, преимущественно для храмоздательства, тип сооружений, по плану и всей конструктивной системе существенно отличающийся от типа древнехристианских базилик. Главную его особенность составляет употребление купола для покрытия средней части здания. Решением византийских зодчих стало срезание углов параллелепипеда таким образом, что верхние части его стен приняли дугообразную форму. Внутри византийских храмов вокруг среднего подкупольного пространства, за исключением алтарной стороны, шла галерея наподобие хоров. Капители колонн в византийской архитектуре лишились абака и приняли форму усеченной четырёхгранной пирамиды, обращённой меньшим основанием вниз и покрытой не особенно выпуклой орнаментацией, мотивы которой составляют акантовые листья и другие формы растительного царства. Внутренность здания не отличалась богатством и сложностью архитектурных деталей, но зато его стены облицовывались снизу дорогими сортами мрамора, а вверху, точно так же, как и своды, обильно украшались позолотой, мозаичными изображениями на золотом фоне или фресковой живописью. В связи с распространением православия по всему миру, возможным стало огромное разнообразие храмовой архитектуры. Связанная в основе с традициями Византийского зодчества, она представляет собой синтез древних строительных и декоративных приёмов и канонов со стилевыми особенностями, характерными для архитектуры конкретного региона. Таким образом, в рамках одной христианской конфессии нашли своё воплощение самобытные и уникальные храмовые сооружения, отражающие не только суть христианского учения, но и мироощущение отдельного народа.

Творчество Феофана Грека.

Феофа́н Грек (около 1340 - около 1410) - великий русский и византийский иконописец, миниатюрист и мастер монументальных фресковых росписей.
Феофан мыслит фигуру трехмерно, пластически. Он отчетливо представляет себе, как располагается тело в пространестве, поэтому, несмотря на условный фон, его фигуры кажутся окруженными пространством, живущими в нем. Большое значение Ф-н придавал передаче в живописи объема. Его способ моделировки эффектен, хотя на первых взгляд кажется эскизным и даже небрежным. В искусстве Ф-на всегда незримо присутствует чудо. Феофан Грек был одним из византийских мастеров. До приезда в Новгород художник расписал свыше 40 каменных церквей. Он работал в Константинополе, Халкидоне, Галате, Каффе. Обладая огромным живописным талантом, Феофан писал фигуры широкими мазками. Поверх первоначальной прокладки он накладывал сочные белые, голубовато-серые и красные блики.
Первые работы Феофана Грека на Руси выполнены им в Новгороде. Это фрески собора Спаса Преображения, среди которых погрудное изображение Спаса Вседержателя в центральном куполе. Главное в росписи - возвеличивании аскетического подвига, ожидание апокалипсиса. Грек работал позже в Нижнем Новгороде, участвуя в создании иконостасов и фресок в Спасском соборе, которые не сохранились до нашего времени. Впервые Феофан Грек упоминается в Москве в 1395 году. С мастерской Феофана связано изготовление двусторонней иконы "Богоматерь Донская", на обратной стороне которой изображено "Успение Богородицы".
В “Успении” изображено то, что обычно изображается в иконах на этот сюжет. У погребального ложа Марии стоят апостолы, не похожие на строгих греческих мужей. Они сгрудились у ложа без всякого порядка. Не совместная просветленная скорбь, а личное чувство каждого - смятение, удивление, отчаяние, горестное размышление о смерти - читается на их простых лицах. Многие словно бы не в состоянии смотреть на мертвую Марию. Над одром Марии, над фигурами апостолов и святителей высится сияющий золотом Христос с душой богоматери в руках. Апостолы не видят Христа, его мандорла - это уже сфера чудесного, недоступного человеческому взгляду. Резкое звучание красок “Успения” как бы раскрывает крайнюю степень душевного напряжения, в котором пребывает апостолы. В”Успении” Феофана есть деталь, которая как будто концентрирует в себе драматизм происходящей сцены. Эта свеча, горящая у ложа богоматери. Помещенная в самом центре, на одной оси с фигурой Христа и херувимом, свеча в иконе Феофана кажется исполненной особого смысла. По апокрифическому преданию, Мария зажгла ее перед тем, как узнала от ангела о своей смерти. Свеча догорает, это значит, что кончается время земного прощания с Марией. Через несколько мгновений исчезнет сияющий Христос, его мандорла, скрепленная, как замковым камнем, огненным херувимом. В мировм искусстве немного произведений, которые с такой силой давали бы ощутить движение, быстротечность времени, равнодушного к тому, что оно отсчитывает, неумолимо ведущего все к концу.
В Спасо-Преображенском соборе Переяславля-Залесского Феофан расписал церковь Архистратига Михаила в 1399 году, а в 1405 году - Благовещенский собор вместе с Андреем Рублевым. Иконостас Благовещенский - древнейший из сохранившихся доныне русских иконостасов.

56 Творчество Андрея Рублева.
На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV - начала XV вв.. В своих произведениях он воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Пример: иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил)для которых характерны лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.
В 1405 Рублёв совместно с Феофаном Греком и Прохором с Городца расписал Благовещенский собор Московского Кремля (фрески не сохранились), а в 1408 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и другими мастерами - Успенский собор во Владимире (роспись сохранилась частично) и создал иконы для его монументального трёхъярусного иконостаса, ставшего важным этапом формирования системы высокого русского иконостаса. Из фресок в Успенском соборе наиболее значительна композиция «Страшный суд», где традиционно грозная сцена превратилась в светлый праздник торжества справедливости, утверждающий духовную ценность человека.
В 1425-27 Рублёв совместно с Даниилом Чёрным и др. мастерами расписал Троицкий собор Троице-Сергиева монастыря и создал иконы его иконостаса. они выполнены в различных манерах и неравноценны по художественным качествама. В ряде более поздних работах ему удалось создать впечатляющие образы, в них чувствуются драматические ноты, ранее ему не свойственные («Апостол Павел»). Колорит икон более сумрачен по сравнению с ранними произведениями; в некоторых иконах усиливается декоративное начало.
Ему приписывается также ряд работ, принадлежность которых кисти Рублёва точно не доказана: фрески Успенского собора на «Городке» в Звенигороде, иконы - «Владимирская богоматерь» , «Спас в силах» , часть икон праздничного чина («Рождество Христово», «Крещение», «Воскрешение Лазаря», «Преображение», «Вход в Иерусалим»), часть миниатюр «Евангелия Хитрово»
Почти все персонажи погружены в состояние безмолвного созерцания, которое может быть названо «богомыслием» или «божественным умозрением»; какие-либо внутренние аффекты им не свойственны.
Классическое чувство композиции, ритмов, всякой отдельной формы, воплощенное в ясности, гармонии, пластическом совершенстве, у Андрея Рублева столь же безупречно, как у греческих мастеров первой трети 15 века.
Творчество Рублёва является одной из вершин русской и мировой культуры.Уже при жизни Андрея его иконы весьма ценились и почитались как чудотворные.

57 «Троица» Андрея Рублева . около 1412 он создал свой шедевр - икону «Живоначальная Троица» . Традиционный библейский сюжет Рублёв наполнил глубоким богословским содержанием. Библейский рассказ лег в основу иконографии Троицы. Говоривший о том что Первым, кто увидел бога, был праведный старец Авраам. Бог явилс к нему в облике трех ангелов. Авраам догадался, что под видом трех странников от принимает три лица Троицы. Исполнившись радости, он усадил их под сенью Мамврийского дуба, велел жене своей Сарре испечь из лучшей муки пресные хлебы, а отроку слуге - заколоть нежного тельца.Отойдя от традиционной иконографии, Андре рублев поместил в центре композиции единственную чашу, а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Одежды среднего ангела (красный хитон, синий гиматий, нашитая полоса - клав) явно отсылают нас к иконографии Иисуса Христа. Двое из сидящих за столом главою и движением стана обращены к ангелу, написанному слева, в облике которого читается отеческая начальственность. Голова его не наклонена, стан не склонен, а взгляд обращен к другим ангелам. Светло-лиловый цвет одежд свидетельствует о царственном достоинстве. Все это - указания на первое лицо Святой Троицы. Наконец, ангел с правой стороны изображен в верхней одежде дымчато-зелёного цвета. Это ипостась Святого Духа, за которым возвышается гора. На иконе есть ещё несколько символов: дерево и дом. Дерево - мамврийский дуб - превратилось у Рублёва в древо жизни и стало указанием на живоначальность Троицы. Дом воплощает Божие Домостроительство. Дом изображен за спиной ангела с чертами Отца (Творец, Начальник Домостроительства), Древо - за спиной среднего ангела (Сын Божий), Гора -символ восхищения духа, то есть, духовного восхождения,за спиной третьего ангела (Святой Дух).Центральный ангел выделен выразительным контрастом пятен тёмно-вишнёвого и голубого цветов, а также изысканным сочетанием золотистых охр с нежным «голубцом» и зеленью. А внешние контуры образуют 5-угольник, символизирующий вифлеемскую звезду. «Троица» рассчитана на дальнюю и ближнюю точки зрения, каждая из которых по-разному раскрывает богатство оттенков, виртуозную работу кисти. Гармония всех элементов формы является художественным выражением основной идеи «Троицы» - самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.

58 творчество дионисия
ДИОНИСИЙ (ок. 1440 - после 1502), иконописец и живописец, один из величайших художников Святой Руси.

Дионисий расписывал Рождественский собор Пафнутиева Боровского монастыря (1467-76); написал иконы для иконостаса Успенского собора Московского Кремля; иконы и фрески соборной церкви Иосифо-Волоколамского монастыря (после 1485). В иконах и фресках Дионисия по сравнению с искусством эпохи Андрея Рублева проявляются единообразие приемов, черты праздничности и декоративности, перед которыми несколько отступает психологическая выразительность образов. Иконам Дионисия с их тонким рисунком и изысканным колоритом, с сильно вытянутыми грациозными фигурами присущи нарядность и торжественность (“Богоматерь Одигитрия”, 1482; “Спас в силах”, “Распятие”, обе 1500; иконы для Ферапонтова монастыря, 1500-02, совместно с сыновьями Владимиром и Феодосией Много работ приписано иконописцу на основании стилистического анализа. Несмотря на уязвимость этого положения, мы должны все же согласиться с отдельными примерами, утвердившимися в искусствоведческой науке. Созданные Дионисием с сыновьями росписи собора Ферапонтова монастыря близ г. Кириллова (1500-02) принадлежат к числу наиболее совершенных образцов русского средневекового монументального искусства, где в стройной и цельной системе росписей органично решены идейно-образные и декоративные задачи. Эти росписи отличаются слитностью с архитектурой и красотой подчиненных плоскости стены композиций, с изящными, как бы лишенными тяжести фигурами и холодной колористической гаммой, преобладанием светлых оттенков. Тот факт, что Дионисий ощутил потребность осознать по-новому Священное Писание, осмыслить догматические тексты, и выразил своё понимание методами живописи, создав совершенно новые, яркие образы, говорит о том, что общение с московскими еретиками (кружок дьякона Федора Курицына) не прошло для художника бесследно.

Характерной чертой его искусства были узкие, элегантные фигуры, тонкий, уверенный рисунок и часто светлые, прозрачные краски. Рисовал фрески в Пафнутьевом монастыреУспенском соборе, где работал вместе с иконописцами Тимофеем, Конём и Ярезом. Работал в Иосифо-Волоцком монастыре, а со своими сыновьями писал фрески и иконы в Ферапонтовом монастыре. Создал знаменитую икону «Крещение».

59 Искусство Италии доренессансного периода. Общая характеристика. Основные произведения., В итальянской культуре XIII-XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства - будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. В итальянской культуре XIII-XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства - будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом. Для искусства Проторенессанса характерны тенденция к наглядному отражению реальности, светское начало и интерес к античному наследию С первых десятилетий 14в. ведущая роль в искусстве начинает постепенно переходить к живописи.

Итальянские живописцы были тесно связаны с византийским стилем живописи и поэтому они задержались с переходом к проторенессансному искусству. Но когда к концу 13в. произошел прорыв, то крепкий фундамент византийской традиции послужил надежной опорой и итальянские художники совершили подлинный переворот в живописном мышлении.

Ведь при всем схематизме византийской живописи в ней сохранялась связь с эллинистическим наследием. В отвлеченных, статичных канонах были законсервированы античные приемы светотеневой моделировки и ракурсных сокращений. Нужен был гениальный художник способный преодолеть чары византийской застылости, чтобы выйти в новое художественное пространство.

Такого гения итальянское искусство обрело в лице флорентийского живописца Джотто ди Бондоне. В крупнейшем цикле фресок Капеллы дель Арена в Падуе можно видеть отступление от средневековой традиции: вместо ограниченного числа вырванных из общей связи канонических евангельских сытий , каждое из которых приобретало символическое значение, Джотто создал связное историческое повествование, включив в него широкий круг сюжетов. Фрески расположены ровными рядами и заключены в прямоугольники. К числу наиболее известных фресок принадлежит "Смерть святого Франциска"

Тайная вечеря» Леонардо

ТАЙНАЯ ВЕЧЕРЯ - последняя вечеря, в христианских представлениях последняя совместная трапеза (ужин) Иисуса Христа и двенадцати апостолов в канун дня (страстной пятницы) крестной смерти Христа. Во время тайной вечери Христос предрекает, что его предаст Иуда Искариот, и учреждает таинство евхаристии (причащения), дав ученикам вкусить хлеба и испить из чаши с вином.

В трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие Леонардо создает роспись «Тайная вечеря» (1495-97; из-за рискованного эксперимента, на который пошел мастер, применив для фрески масло в смеси с темперой, работа дошла до нас в весьма поврежденном виде). Высокое религиозно-этическое содержание образа, где представлена бурная, разноречивая реакция учеников Христа на его слова о грядущем предательстве, выражено в четких математических закономерностях композиции, властно подчиняющей себе не только нарисованное, но и реальное архитектурное пространство. Ясная сценическая логика мимики и жестов, а также волнующе-парадоксальное, как всегда у Леонардо, сочетание строгой рациональности с неизъяснимой тайной сделали «Тайную вечерю» одним из самых значительных произведений в истории мирового искусстваРеставрация заняла 21 год. 28 мая 1999 года роспись была открыта для просмотра.

В течение многих веков феномен прекрасного представлял собой загадку. Современ­ной наукой установлено, что искусство зародилось в эпоху верхнего палеолита, т.е. около 30-40 тыс. до н.э. Полифоничность искусства предполагает и многообразие точек зрения на причины его происхождения.

Религиозная теория. Согласно ей, красота является одним из имен Божьих, а искус­ство - конкретно-чувственным выражением божественной идеи. Происхождение искусства связывается с проявлением божественного начала.

Теория игры (Г. Спенсер, К. Бюхер, В. Фриче, Ф. Шиллер). Заключается в том, что искусство считается самоцельной игрой, лишенной какого-либо содержания. В силу того, что игра - явление биологическое, присущее всем животным, то и искусство объявляется од­ним их естественным природных явлений. Так как игра старше труда, то и искусство старше производства производство полезных предметов. Его основная цель - удовольствие, наслаж­дение. Игра издавна понималась как способ деятельности, связанный с развлечением, полу­чением удовольствия. Игра - свободно организованный процесс.

Потребность в игре характерна не только для детей, но и для взрослых. В игре человек получает возможность освободиться от общепризнанных норм поведения, он раскрепощает­ся и тем самым сбрасывает с себя груз повседневных забот и тревог.

Психологи справедливо подчеркивают, что степень выраженности игрового начала является неотъемлемой частью творческого процесса во всех без исключения сферах челове­ческой деятельности.

Игровой момент в искусстве реализуется наиболее четко, ведь для искусства чрезвы-

54 чайно важными моментами являются свобода фантазии и воображения.

Игровое начало в искусстве проявляется во всем: в игре смыслов, намеков, подтек­стов, интриг, загадочности и неожиданности сюжетных построений, в том, как могут пере­межаться и сосуществовать шутовское, развлекательное, фривольное и грустное, лирическое, серьезное.

Ярче всего игровая природа искусства проявляется в театре, в творчестве актера. Здесь господствует принцип маски, подражания, перевоплощения, лицедейства, притворства.

Искусство как реализация инстинкта украшения или эротическая теория (Н. Нардау, К. Ланге, 3. Фрейд, Ч. Дарвин и др.). Сторонники этой точки зрения полагали, что искусство возникает как средство приманивания представителями одного пола особей друго­го пола. Например, одна из наиболее древнейших форм искусства - украшательство - созда­валась для того, чтобы произвести наибольшее сексуальное влечение. Или, поскольку лю­бовные похождения как животных, так и человека сопровождаются определенными звуками, поскольку эти любовные импульсы порождают музыку и, затем наоборот, музыка порождает любовные импульсы.

Теория подражания (или имитативная теория) Поначалу культурологи считали, что искусство рождается потребностью в подражании. Этого мнения придерживались еще античные философы (Демокрит, Аристотель и др.). Здесь выражена попытка соединить при­чину возникновения искусства с социальным назначением человека. Аристотель видел в ис­кусстве «подражание» матери-природы и одно из средств «очищения» чувств человека, вос­питания его красивым, благородным, мужественным. («Поэтика»). Причинами зарождения искусство он считал естественные наклонности человека к имитации, подражанию природе. Первобытный художник рисовал мамонта, потому что хотел закрепить в своем сознании об­раз животного. Однако художник не только воспроизводил знакомое, похожее. Он вносил в свое произведение фантазию. Вот неандерталец нарисовал птицу. Однако у нее человеческое лицо. Разве можно считать это только подражанием?

Легко заметить, однако, что даже самые радикальные теории подражания не были на­целены на то, что бы свести произведения искусства лишь к механическому воспроизведе­нию реальности. Все они в той или иной степени должны были допустить творческую спо­собность художника. Оба эти требования нелегко согласовать друг с другом: если подража­ние - истинная цель искусства, то ясно, что творческая сила художника - скорее разруши­тельный, чем созидательный фактор.

Чтобы достичь высшей красоты, важно не только воспроизвести природу, но и отой­ти, отдалиться от нее. Определить меру, правильные пропорции этого отдаления или укло­нения - одна из важнейших задач теории искусства. Аристотель писал о том, что для созда-

ния поэзии предпочтительней убедительная невозможность, нежели неубедительная воз­можность. Художник обязан создать нечто лучшее, чем сам образец

Согласно еще одной теории (Л. Выготский) искусство - это способ социализации личности.

Марксизм на первый план выдвигал общественно-историческую практику, производ­ственную деятельность людей. Каждая из названных теорий имеет право на существование, приоритет той или иной может быть отдан в контексте поставленных исследовательских за­дача.

Теоретическое и историческое изучение художественной культуры помогает понять то место, которое в культуре, взятой в целом, занимает искусство. Художественная деятель­ность - это такой вид человеческой деятельности, который отличается органическим слияни­ем того, что во всех других видах деятельности - познавательной, ценностно-ориентационной, преобразовательной - расчленено и специализировано. Она не знает разде­ления на материальную и духовную деятельность, ибо творчество художника духовно и ма­териально одновременно; она не знает разделения на практическую и теоретическую, ибо является практически духовной, образно воссоздающей жизненную реальность, т.е. «практи­кой в духе», и плоды ее обращены поэтому к таким же целостно-духовному восприятию, со­зерцанию, переживанию, осмыслению, истолкованию, какие свойственны человеческому восприятию реальности, но при этом ясно сознается то, что отличает «художественную ре­альность» как мир вымысла от подлинной жизни людей.

Поскольку искусство есть часть культуры, постольку изменение их взаимоотношений определяется прежде всего исторической эволюцией культуры как целого, в котором суще­ствует и движется искусство.

Поскольку же искусство есть относительно самостоятельная подсистема культуры, обладающая специфическим содержанием, формой и функциями, постольку изменение его взаимоотношений с культурой порождается теми изменениями, которые происходят с самим искусством в ходе его эволюции.

Поскольку связи искусства и культуры опосредованы тем ее слоем, который называют художественной культурой, постольку историческое изменение этих связей обусловливается изменением художественной культуры как специфического слоя культуры.

Искусство по своей сути призвано смягчить и гуманизировать безудержность научно­го поиска, т.к. искусство и наука взаимообусловлены. Искусство предполагает не волевое преобразование окружающей среды и не ее научное изучение, а преимущественно чувствен­ное восприятие и непременно субъективное воспроизведение действительности, которую че­ловек пропускает через себя. Сказанное не значит, что в художественном творчестве отсут-

56 ствуют мысль и воля, но не они являются определяющими.

Настоящее искусство несовместимо с сухим рационализмом и никому ничего насиль­но не навязывает, а стремится воздействовать на свойственное лишь человеку чувство пре­красного. Со времен античности искусство связывали с такими философско-эстетическими категориями, как «гармония», «красота», «совершенство», позднее - «экспрессия», «вырази­тельность», «вдохновение», «интуиция».

Наряду с чувством важнейшим составным элементом всякого искусства является его образность. Ведь плачь или смех, будучи непосредственным выражением внутреннего со­стояния человека, т.е. его чувства, от этого не становятся искусством. Только тогда, когда силой воображения в сознании автора в виде конкретных картин возникают причины этого плача, или смеха, или гнева и он пытается передать их специально подобранными словами, звуками, красками, линиями, объемами, мы присутствуем при уникальности художественно­го творчества.

Вопрос №2. Роль и основные функции искусства.

Общественно-преобразующая функция искусства проявляется в том, что оно, оказывая идейно-эстетическое воздействие на людей, включает их в направленную и целостно ориентированную деятельность по преобразованию общества.

Утешительно-компенсаторная функция заключается в восстановлении в сфере духа гармонии, утраченной человеком в реальной действительности. Своей гармонией искусство влияет на внутреннюю гармонию личности, способствует сохранению и восстановлению ее психического равновесия.

Художественно-концептуальная функция выражается в свойстве искусства анализировать состояние окружающего мира.

Функция предвосхищения характеризует способность искусства предвосхищать будущее. На этой способности основаны фантастические, утопические и социально прогнозирующие произведения искусства.

Магическая теория происхождения искусства. Основоположником этой теории является английский учёный Анри Брейль. Он исследовал эволюцию первобытного искусства и пришёл к выводу, что древние изображения, скульптура и орнамент носят культовый характер.

Другие исследователи позже подтвердили этот вывод. Было установлено,что, например, орнамент на посуде, на одежде или предметах быта являлся своего рода «шифром», в котором были закодированы представления древнего человека о мире. Часто на украшениях и посуде встречаются солярные (солнечные) знаки.

Солнце воспринималось как источник блага, и знак солнца носил магический характер: оберегал от злых духов.

Противники этой теории указывают на то, что способность к художественной деятельности не исчезла вместе с концом эпохи всеобщей религиозности. Способность к художественному творчеству – это врождённое качество человека.

Игровая теория происхождение искусства . Основоположником этой теории можно признать голландского учёного И. Хейзинга. Он рассматривает искусство как игру. Игровое начало присуще и жизни отдельного человека, и включено в жизнь общества. Элементы игры проявляются везде: в ритуалах, в обрядах, на праздниках и карнавалах. Хейзинга выводит из игры многие формы художественной культуры: культ, поэзию, музыку, танец – все они были сплошной игрой. Произведения искусства создаются без всякой практической пользы. Как игра доставляет нам наслаждение, так и сотворение искусства, которое тоже есть игра, доставляет человеку удовольствие.

Имитативная теория . Представителями этой теории являются Демокрит, Даламбер, Конт. Так, Демокрит считал, что искусство возникает из подражания животным. Наблюдая за действиями животных, насекомых, птиц люди научились ткачеству (от паука), пению (от певчих птиц) и т. д.

Трудовая теория . Ее сторонником был, например, Г.В. Плеханов. Эта теория выводит искусство из производственной деятельности человека. В трудовой деятельности человек познавал ритмы, объёмы, линии, выявлял гармонию и пропорциональность. Например, человек открывал для себя ритм, растирая зёрна, оббивая камни, работая топором и т.д. Танец родился из совместной ритмической трудовой деятельности: синхронного бега на охоте или иных согласованных действий. Орнамент появился из зарубок, которыми человек отмечал течение времени. Музыкальные инструменты возникли из орудий труда и оружия (изготовление первого щипкового музыкального инструмента стало возможным после изготовления лука – орудия стрельбы; барабан – это камень или дерево, из которых человек изготавливал себе оружие и орудия труда).

Вопрос №4. Системы классификации видов искусств.

Искусство, как творческое отражение действительности, возникло и развивается как система многообразных взаимосвязанных между собой видов, соответствующих многогранностью самого отображаемого реального мира.

Виды искусства - формы творческой деятельности, различающиеся по способам воплощения.

Основные из них, - слово (литература), звук (музыка), колористические и пластические материалы (изобразительное искусство).

Согласно другой системе классификации, виды искусств подразделяют на три группы:

1. Пластические – изобразительное, декоративно-прикладное, архитектура, фотография;

2. Динамические виды искусств, - музыка, литература.

3. Синтетические или зрелищные - хореография, литература, театр, кино.

Вопрос №5. Роды и жанры художественного творчества; их особенности в разных видах искусства.

Для пластических искусств, исследование которых и является предметом классического, искусство-знания, такие модификации выразили себя в способности формировать сложные структуры родов, жанров и видов искусства, а также исторических направлений, творческих методов и стилей.

Родовые градации пластических искусств относятся прежде всего к искусствам изобразительным и традиционно подразделяются на монументальный, станковый и декоративный род искусства.

Монументальное искусство – это род пластических искусств, который охватывает широкий круг произведений, создаваемых для конкретной архитектурной среды и соответствует ей своими идейными качествами, а также зрительно-архитектоническим и цветовым строем. К монумен-тальному искусству относятся памятники и монументы, скульптурное, живописное, мозаичное убранство зданий, витражи, городская и парковая скульптура, фонтаны и т.д. (некоторые исследователи относят к монументальному искусству также произведения архитектуры).

Монументальное искусство особенно активно развивается тогда, когда художественная культура эпохи проникнута ярко выраженным пафосом утверждения позитивных социальных ценностей. Истоки его восходят к первобытному обществу. В менгирах, культовых статуях и наскальных росписях воплощены представления первобытного человека о могуществе сил природы, закреплены его трудовые навыки. С появлением классов определяющими для монумен-тального искусства стали общественные взаимоотношения. Так, например, принципы монумен-тальности и статичности, господствовавшие в искусстве Древнего Египта, в условиях рабовла-дельческого общества должны были способствовать утверждению идеи незыблемости социаль-ного строя и обожествления личности властителя (так называемый Большой сфинкс в Гизе), но в исторически обусловленной форме воплотили также представления о силе человеческого разума, победе человеческого коллектива над силами природы.

Станковое искусство – термин, которым обозначаются произведения живописи, скульптуры и графики, имеющие самостоятельный характер и (в отличие, например, от произведений монументального искусства или книжной иллюстрации) не предназначенные непосредственно для какого-либо сооружения, издания и т.д. Идейно-художественная выразительность произведений станкового искусства не изменяется в зависимости от места, где они находятся. Термин «станковое искусство» произошел от «станка», на котором создаются произведения станкового искусства в живописи, например, им является мольберт. Широкое развитие станковое искусство получило с эпохи Возрождения и особенно в XIX в.

Декоративное искусство (от лат. decoro – украшаю) – род пластических искусств, который, как архитектура и дизайн, служит художественному формированию материальной среды, создава-емой человеком, способствует внедрению в нее эстетического и идейно-образного начала. Декоратив-ное искусство подразделяется на непосредственно связанное с архитектурой монументально-декоративное искусство (создание архитектурного декора, росписей, рельефов, статуй, витражей, мозаик, украшающих фасады и интерьеры, а также парковой скульптуры), декоративно-прикладное искусство и оформительское искусство (художественное оформление празднеств, экспозиций выставок и музеев, витрин и т.п.). Создаваемые как элемент или деталь композиции (площади, улицы, парка, здания, а также интерьера, костюма и т.д.) произведения декоративного искусства (в отличие от станковых) играют существенную роль в объемно-пространственной организации ансамбля. Идейно-образное удержание произведений декоративного искусства наиболее полно раскрывается при восприятии их в том ансамбле, для которого они предназначены.

Декоративно-прикладное искусство – раздел декоративного искусства; охватывает ряд отраслей творчества, которые посвящены созданию художеств, изделий, предназначенных главным образом для быта. Произведениями декоративно-прикладного искусства могут быть: различная утварь, мебель, ткани, орудия труда, средства передвижения, а также одежда и всякого рода украшения. Наряду с делением произведений декоративно-прикладного искусства по их практическому назначению в научной литературе со 2-й пол. XIX в. утвердилась классификация отраслей декоративно-прикладного искусства по материалу (металл, керамика, текстиль, дерево) или по технике выполнения (резьба, роспись, вышивка, набойка, шитье, чеканка, интарсия и т.д.). Эта классификация обусловлена важной ролью конструктивно-технологического начала в декоративно-прикладном искусстве и его непосредственной связью с производством.

Так, познавательная избирательность художественного творчества порождает серию жанров, отличающихся по предмету отражения: например, исторический, пейзаж, портрет, натюрморт и другие – в живописи. С другой стороны, в скульптуре членение на жанры отражает не тематическое содержание, как в живописи и графике, а цель создания произведения и задачу. Так, одни и те же формы портрета могут служить жанру надгробия, кабинетной пластики, мемориала и т.д.

Вопрос №6. Основные черты первобытного искусства и проблемы его изучения.

Черты первобытного искусства:

1. Синкретичность. Характеризует его неразделенность, единство всех его проявлений.

2. Коллективистский и многофункциональный характер.

3. Символизм, то есть условный характер изображения.

Символический характер первобытного искусства приводит к появлению двух типов кодирования – эзотерическому (элитарному), доступного только узкому кругу избранных и экзотерическому, доступному всем.

Первая проблема. Сейчас искусство является особой областью культуры, границы которой вполне осознаются его создателями и "потребителями". Чем глубже в древность, тем эти представления были более размытыми. В сознании кроманьонца искусство еще не могло выделиться в какую-то особую область деятельности. Способностью к созданию изображений, как и сейчас, обладали редкие люди. Им приписывались некие сверхъестественные свойства, подобно позднейшим шаманам. Видимо, это ставило их в особые условия среди сородичей. О достоверных подробностях этих условий можно только догадываться.

Другой проблемой изучения первобытного искусства является то, что его и нас разделяет большое количество времени, что создает нам определенные трудности.

Вопрос №7. Характеристика основных этапов первобытного искусства. Проблема зарождения искусства.

Время «начала искусства»

Первым этапом первобытного искусства традиционно считается так называемое Ориньякско-Солютрейское время каменного века, 40-20 тысяч лет назад (по двум материальным культура, захватывающим этот промежуток времени). Первоначально считалось, что этот этап хорошо укладывается в схему линейного развития – от более простых форм искусства к более сложным. Действительно, большинство обнаруженных произведений первобытного искусства этого времени в общем и целом схематичны, просты и даже в определённой степени примитивны. Так, наскальные рисунки животных часто представляют собой лишь совершенно условный контур или рисунок, имеющий минимальное количество деталей. А каменные женские фигурки с гипертрофированными женскими чертами (широкие бёдра, большая грудь), ставшие настоящим символом этого времени палеолитические Венеры, также весьма просты и лишены изящества.

Эпоха с нежным женским именем

Ко второму этапу первобытного искусства обычно относят Мадленскую эпоху (от 20 до 12-10 тысяч лет назад), связанную с мадленской материальной культурой. Граница между первым и вторым этапом настолько условна, что сейчас полагают, что они были разделены скорее для технического удобства обозначения. Традиционно полагалось, что определённое совершенствование первобытного искусства в отношении наскальной живописи и скульптуры отмечалось именно в этом периоде, но сейчас это весьма спорное утверждение. Так, наскальная живопись существовала примерно в тех же рамках, что и до этого – существовали рисунки различной степени художественного совершенства, от примитивных контурных рисунков до виртуозных изображений.

Правда, на этом этапе стали чаще использоваться разноцветные краски природного происхождения, а также в широкий культурный обиход вошла практика первоначального высекания рисунка на камне, а затем его раскрашивание. Но всё же эти черты нельзя считать достижением Мадленской эпохи, они были хорошо известны и на предыдущем этапе. Также ещё более широкое распространение получило создание палеолитических фигур, которые также в своих основных чертах остались неизменными. Возможно, наиболее заметный прогресс действительно можно отметить в зверином стиле в миниатюрной скульптуре: прежде всего, костяные фигурки животных стали всё чаще быть более приближенными к реальности, чем раньше.

Всё ближе к цивилизации

Наибольшее число оснований для выделения в отдельный период у третьего этапа первобытного искусства, начало которого принято связывать с окончанием в Европе ледникового периода (12-10 тысяч лет назад), а окончание приурочивать к началу бронзового века – 6-5,5 тысяч лет назад. В данном случае действительно можно вести разговор о новых качественных чертах первобытного искусства. Это связано с появлением керамики, важнейшего пласта первобытного искусства. Как только был изобретён гончарный круг и количество керамических изделий стало расти, глиняные сосуды тут же превратились в отдельное поле для творчества. Причём такой статус они имели и сами по себе, благодаря возможности создавать сосуды различных форм, объёмов, размеров, с декоративными деталями, так и в силу наличия на них рисунков и орнаментов.

Первобытная живопись, которая перестала быть исключительно наскальной, также приобрела ряд новых черт. Прежде всего, значительно большее распространение получили абстрактные символы, орнаменты и тому подобное. Исследователи связывают это с усложнением абстрактного мышления человека, а также с развитием религиозных культов, которые хоть и не уходили далеко от реальных символов, всё же более активно пытались представить и отразить мир сверхъестественный. Орнаменты из различных зигзагов, спиралей, концентрических кругов, геометрических фигур и тому подобного прекрасно для этого подходил. Со сменой поколений художников накапливался и опыт в изготовлении костяных и каменных скульптур, которые в лучших своих образцах стали изящнее. Кроме того, по мнению ряда учёных, мегалитическая архитектура, особенно распространившаяся уже в бронзовом веке, появилась именно на этом этапе первобытного искусства.

Вопрос №8. Мифологическое сознание как форма познания в Древнем мире.

Важную роль, особенно на начальном этапе истории человечества, играло мифологическое познание. Его специфика в том, что оно представляет собой мистическое (скрытое) отражение реальности, является бессознательной переработкой различных проявлений природы в образы, которыми человек отражал самого себя и свою взаимосвязь с обществом. Таким образом, в рамках мифологии вырабатывались определенные знания о природе, Вселенной, о самих людях, о структуре их бытия, формах взаимосвязи между ними. Еще с древних времен люди знали (речь идет о жречестве), что развитое мифологическое мышление - это не просто безудержная игра фантазии, а своеобразное моделирование мира, позволяющее фиксировать и передавать опыт поколений. Причем мифы содержат в себе многоуровневый пласт информации, в котором имеет место быть конкретика и так же метафоричность, что воспринимается мифологическим мышлением, с его способностью к обобщению, классификациям и логическому анализу. И что не стыкуется на одном уровне, ответ обязательно находится на другом более скрытом (мистическом), что не ставит в тупик человеческое сознание, а как бы олицетворят собой стену плача, после определенных попыток мольбы и чаяний человеку с таким мышлением открывается выход по ту сторону, в совершенно иной мир познания.

Вопрос №9. Общая характеристика искусства Древнего Египта.

Древнеегипетская архитектура отличается условностью и однообразием. Это было связано с тем, что добыча камня и его обработка находилась в руках государства, методы работы установились так прочно, что не менялись на протяжении 3500 лет. Изолированность египетской цивилизации привело к тому, что в древнем государстве отсутствовала конкуренция в архитектуре, которая оказала бы благотворное влияние на ее развитие, как, например, в Европе. Еще одним важным фактором было отсутствие разнообразия строительного материала.

В Египте было мало архитектурных форм, характерных для этой страны, это также объяснялось ограниченностью строительного материала. Основными архитектурными формами были пирамида, пилон, колонна и пандус.

Скульптура Древнего Египта - одна из наиболее самобытных и строго канонически разработанных областей искусства Древнего Египта. Скульптура создавалась и развивалась, чтобы представить древнеегипетских богов, фараонов, царей и цариц в физической форме. Существовало также множество изображений, как в могилах простых египтян, в основном из дерева, некоторые из них сохранились. Статуи богов и фараонов ставились на всеобщее смотрение, как правило, на открытых пространствах и вне храмов.

Статуи, как правило, сохраняют первоначальную форму каменной глыбы или куска дерева, из которого она высечена.

Существовал очень строгий канон создания древнеегипетской скульптуры: цвет тела мужчины должен был быть темнее цвета тела женщины, руки сидящего человека должны были быть исключительно на коленях; существовали определенные правила изображения египетских богов. Так бога Гора следовало изображать с головой сокола, бога мертвых Анубиса - с головой шакала. Все скульптуры создавались по данному канону и следование было столь строгим, что почти за трехтысячелетнюю историю существования Древнего Египта он не претерпел изменений.

Все рельефы в Древнем Египте ярко раскрашивались, меньше всего изображений было в гробницах, храмах и дворцах, там рисунки были только на поверхности. Каменная поверхность готовилась к покраске - грубый слой грязи с более мягким слоем гипса сверху, потом известняк - и краска ложилась более ровно. Строительные пигменты были, как правило, минеральными, дабы защитить изображения от солнечного света. Состав краски был неоднородным - яичная темпера, разнообразные вязкие вещества и смолы. В конечном счете настоящая фреска не получалась и не использовалась. Вместо этого использовалась краска на слое высушенного пластыря, т. н. «фреска a secco». Сверху живопись покрывалась слоем лака или смолы, чтобы сохранить изображение надолго. Небольшие изображения, выполненные в такой технике, хорошо сохранились, хотя на крупных статуях практически не встречаются. Чаще всего, используя подобные методы, раскрашивались маленькие статуи, особенно деревянные.

Множество египетских картин сохранились благодаря сухому климату Древнего Египта. Картины создавались с намерением улучшить жизнь покойному в загробном мире. Сцены, изображенные на картине, представляли путешествие в загробный мир и встречу в загробном мире с божеством (суд Осириса). Также часто изображалась земная жизнь усопшего, чтобы помочь ему заниматься тем же в царстве мертвых.

В Новом Царстве вместе с умершим стали хоронить Книгу мертвых. Это считалось важным для загробной жизни.

Основными цветами были красный, синий, черный, золотой и зеленый.

Вопрос №10. Общая характеристика искусства Древнего Китая.

История Древнего Китая насчитывает 5000 лет. Становление культуры Поднебесной началось в период династии Цинь, которая просуществовала недолго, и продолжилось в период династии Хань. На рубеже тысячелетий Китай развивался достаточно интенсивно, и тогда же появилось искусство Древнего Китая.

Прежде всего, возникла традиционная китайская живопись - искусство тонкое, в немалой степени философичное, обставленное целым рядом ритуальных условностей. Первое и обязательное правило при написании картины – сюжет должен содержать какую-либо историю. В соответствии со вторым правилом, на картине писалось в стихотворной форме изречение, раскрывающее смысл сюжета. Писать нужно было в каллиграфическом стиле. Как мы видим, искусство древнего Китая уже тогда требовало жертв.

Одновременно с появлением традиционной китайской живописи, развилось искусство керамики. Изготовление глиняных изделий не отличалось особой утонченностью, горшки и кувшины делались методом ручной лепки или на примитивном гончарном круге, но зато украшались керамические изделия в стиле высокого искусства. Яркие, красочные рисунки тиснились на поверхности вазы или кувшина, геометрически правильные узоры и орнаменты ритмически повторялись, создавая целые композиции. Через определенный период времени искусство керамики плавно перешло в знаменитый китайский фарфор, который высоко ценится и в наши дни. Китайская династия Хань интересна также искусством бронзового литья. Технологии были сложными, но готовый сосуд или ваза поражали совершенством узора. Древним китайским мастерам удавалось передать тончайшие изображения, целые сюжеты, животных и растения. По найденным в ходе раскопок глиняным формам можно восстановить картину появления бронзового литья, когда искусство Древнего Китая получило развитие по многим направлениям. Делалась глиняная копия будущего сосуда, затем прорисовывался узор на поверхности. После этого форма обжигалась и методом обратного оттиска создавалась другая форма, уже с рельефным рисунком. В эту форму заливалась расплавленная бронза, затем форма разбивалась на мелкие куски. Таким образом, керамическое искусство Древнего Китая характеризуется эксклюзивными изделиями.

При всей значимости прикладного искусства, нельзя не отметить и театральное. Это народное искусство появилось в 6 веке н.э. и набирало силу вплоть до 10 века, приобретая новые формы. Древний китайский театр сформировался как сложное, многоступенчатое представление, включающее в себя пантомиму, танец и пение, четкое разграничение амплуа актеров, непритязательность декораций, которые выполняли лишь небольшую дополнительную роль в спектакле. А в целом китайское театральное искусство было значительной частью культуры Древнего Китая. Безусловно, искусство Древнего Китая, кратко изложенное в этой статье, не дает представления об искусстве страны в полном объеме, «за кадром» остались такие виды, как письмо на узелках, скульптура глиняных гигантов, искусство шелковых тканей, порох и, наконец, китайская кухня.

Вопрос №11. Особенности китайской архитектуры.

Первые дома для устойчивости строились в углублении, имели круглую или квадратную форму. В 3 веке до н.э. были введены правила по устройству городов, где прописывались размеры улиц и сооружений. К 10 веку н.э. функциональная сторона жилища начинает уступать место декоративным элементам. Однако соблюдение принципов Фэн-шуй по-прежнему остается очень важным моментом. Так входная дверь должна быть расположена исключительно с южной стороны, а высота здания соответствовать статусу хозяина.

Одной из главных национальных особенностей архитектуры Китая является ее конструкция и строительные материалы. В основе древних сооружений обязательно находился деревянный каркас: столбы, балки, лаги и перемычки, которые несут на себе всю тяжесть дома. Об этом качестве говориться в одной поговорке: «фанза устоит, даже если ее стены разрушатся». Чтобы защитить дерево от разрушения его стали покрывать краской. Существенным недостатком древесины является ее недолговечность, подверженность гниению и отсутствие огнеупорности. Среди прочих материалов использовали: глину, камень, кирпич, бамбук, тростник и т.д.

Другой характерной чертой китайского зодчества всегда являлось поточное строительство. Благодаря этому возведение того или иного здания не прерывалось даже при изменении погодные условия. Все детали изготавливали по эталонным размерам по отдельности, а потом собирали в единое целое. Такой способ помогал увеличить скорость строительства в несколько раз. Так, например, Гугун, где насчитывается порядка тысячи комнат на площади более 700 тыс. кв. м. был возведен за тринадцать лет.

Внутренне деление на комнаты происходило с помощью легких ширм и перегородок. Внешне дом украшался барельефами, резьбой и лепными изображениями. Крыши традиционно делались изогнутыми и покрывались черепицей или бамбуком, в зависимости от статуса жильца. Такая форма по Фэн-шуй не позволяет скапливаться негативной энергии, и не дает злым духам проникнуть в жилище. С практической же точки зрения изогнутость создавала меньшее давление на каркас. На углах кровли размещались фигурки животных, каждая из которых имела свое значение. Так феникс или дракон символизировали благополучие и чаще всего служили украшением императорских домов.

Проследить национальные особенности архитектуры Китая можно, обратившись к его сохранившимся достопримечательностям. Как правило, при строительстве дворца, храма или обычного жилья используется комплексный принцип возведения. Объяснения этой тенденции находятся в традиционном менталитете, и ориентированности китайского общества на коллективизм.

Готовый ансамбль должен соответствовать принципу сыхэюань, что переводится как «двор, закрытый с четырех сторон». Согласно ему жилые постройки располагаются по всем четырем сторонам огороженной территории, при этом входная дверь в помещение смотрит во двор, а со стороны, которая выходит на улицу, находится чистая стена. Родителям всегда отдавалось лучшее помещение, а дети жили в домах по соседству.

Соблюдался в комплексе и принцип «золотого сечения». Здания строились таким образом, что в центре двора располагались самые важные из них, а остальные по бокам от него. Это принцип касается не только отдельных ансамблей, но и целых городов. Внутренняя планировка всегда имеет строго симметричный характер.

Если планировалось строительство в местах с неровным рельефом, то архитектурный план разрабатывали применительно к существующим условия. При этом обязательно соблюдались все вышеперечисленные принципы. Отличительной особенностью такой страны как Китай, является то, что полученный за многие века опыт применяется и в наше время для возведения высокотехнологичных небоскребов.

Вопрос №12. Общая характеристика искусства Древней Руси и традиционные ремесла славян.

История древнерусского искусства насчитывает почти тысячелетие. Оно зародилось в 9-10 вв., когда возникло первое феодальное государство восточных славян - Киевская Русь.

В пору уже своего государственного становления Русь испытывала сильное влияние соседней Византии, которая для своего времени была одним из наиболее культурных государств мира. Таким образом, культура Руси складывалась с самого начала как синтетическая, т.е. находящаяся под влиянием различных культурных направлений, стилей, традиций.

Одновременно Русь не просто слепо копировала чужие влияния и безоглядно заимствовала их, но применяла к своим культурным традициям, к своему дошедшему из глубины веков народному опыту, пониманию окружающего мира, своему представлению о прекрасном. Поэтому в чертах русской культуры мы постоянно сталкиваемся не только с влияниями извне, но с их порой значительной духовной переработкой, их постоянным преломлением в абсолютно русском стиле.

Для русской деревянной архитектуры была характерна многоярусность строений, увенчивание их башенками и теремами, наличие разного рода пристроек - клетей, переходов, сеней. Затейливая художественная резьба по дереву была традиционным украшением русских деревянных строений, которая живет в народе и до сей поры.

Особенность зодчества Руси проявлялась, с одной стороны, в следовании византийским традициям (вначале и мастера были преимущественно греки), с другой - сразу наметился отход от византийских канонов, поиск самостоятельных путей в архитектуре. Так, уже в первой каменной церкви - Десятинной - наметились такие не характерные для Византии черты, как многокупольность (до 25 куполов), пирамидальность - это чисто русское наследие деревянного зодчества, перенесенное на каменное.

Древнерусское зодчество при наличии большой монументальности, тем не менее, характеризуется чрезвычайной пластичностью форм, каким-то особым ощущением их спокойствия и незыблемости, соизмеримостью с размерами человека, его масштабами и потребностями.

Основными видами живописи в Древней Руси были фреска и икона. Христианская церковь внесла в эти виды искусства совершенно иное содержание.

Фреска – это живописное изображение по сырой штукатурке. В основном ей пользовались для росписи интерьеров храмов и церквей. Икона - изображение ликов Иисуса Христа, богоматери, святых, сцен из Священного Писания. Этому изображению церковь приписывала священный характер, потому икона выполняла функцию религиозного культа – ей поклонялись, на нее молились.

А писание икон – иконопись – была главным видом живописи того времени. Даже в Византии иконопись никогда не играла такой важной роли, как на Руси, где она стала одной из основных, общераспространенных форм изобразительного искусства, соперницей монументальной живописи. Именно иконы являются основным жанром древнерусской живописи. Иконопись, в отличие от светской живописи, осуществлялась по определенным канонам.

Эстетика иконописи требовала воплощения «божественного», сверхчувственного содержания в зримых, чувственно воспринимаемых, но идеально возвышенных образах, призванных передавать внутреннюю духовную сущность реального мира. Икона – это, как правило, плоскостное изображение с преимущественно однородным колоритом и стандартной композицией. Широко распространилось в Киевской Руси и искусство миниатюры. Самый значительный памятник - Остромирово евангелие, исполненное дьяконом Григорием для новгородского посадника Остромира в 1056-1057 гг. Миниатюры евангелия содержат много черт, несвойственных собственно византийскому искусству. Более плоскостная трактовка фигур евангелистов, склонность к чистым локальным краскам, употребление золота в контурах - все говорит о формировании нового, более декоративного живописного стиля, о сложении особых живописных традиций.

Пластика занимала в древнерусском искусстве подчиненное положение. Как и в Византии, православная церковь видела в круглой скульптуре наследие «идольских», языческих времен и относилась к ней неодобрительно. Хотя этот взгляд с течением времени изменился, круглая скульптура так и не получила на Руси большого развития.

Зато процветало прикладное искусство: резьба по дереву и камню, литье, чеканка, эмальерное дело, вышивка, керамика и др. Среди ремесел следует указать художественное литье, сложную технику черни, филиграни и зерни, поливную керамику и особенно эмальерное дело. В качестве примера - великолепный оклад Мстиславова евангелия (начало 12 в.) - подлинное чудо прикладного искусства.

Металлургия и металлообработка железа и стали

Обработка дерева

Обработка цветных металлов

Прядение и ткачество

Обработка кожи

Обработка кости

Машины и механизмы

Гончарное дело

Стеклоделие

Вопрос №13. Крещение Руси и развитие архитектуры.

Каменное строительство получило определенное развитие с конца 10 начала 11 веков, что было связано с крещением Руси, и первоначально преобладало в церковном зодчестве. Первой известной по летописям каменной постройкой Руси можно считать Десятинную церковь (церковь святой Богородицы) в Киеве, сооруженную в первые годы после Крещения Руси, в 989-996 годах и сочетающую в себе традиции и приемы византийской и болгарской церковной архитектуры. Влияние греческих мастеров отчетливо прослеживается в архитектуре Спасо-Преображенского собора в Чернигове (1030-е годы). Стремление следовать византийским образцам заметно и в крупнейшем храме Киевской Руси соборе святой Софии в Киеве, игравшем роль главного храма православной Руси.

Софийский собор являет собой образец крестово-купольного храма, получившего особую популярность у древнерусских зодчих. По образцу киевского храма выстроены соборы святой Софии в Новгороде (1045-1050 гг.) и Полоцке. Киевская София опосредованно повлияла и на композицию многих других церковных сооружений Древней Руси, включая Успенский собор Киево-Печерского монастыря (1073-1089; взорван в 1942 году, восстановлен в 1990-е гг.), соборы в Ростове и Суздале.

Особенностью ранней церковной архитектуры Древней Руси было единство интерьера, достигавшееся за счет низких алтарных перегородок, открывавших взору верующих верхнюю часть алтарной части храма. Такое решение интерьера как бы приближало молящихся к центру богослужения, а через него и ко всему божественному (сакральному) пространству, объединяло церковь земную и небесную. Из византийской традиции заимствована и традиция украшения внутреннего пространства храмов мозаикой, благодаря яркости и легкости светового решения, также символизировавшей единение земного и небесного начал церкви.

Наряду с каменными храмами строились деревянные церкви, которых было большинство. Из дуба, в частности, был выстроен в 1049 году и первый Софийский собор в Новгороде – предшественник белокаменной Софии. Историки архитектуры расходятся во мнениях относительно того, какими были взаимоотношения каменной и деревянной архитектуры, какая из них оказывала влияние на развитие другой. Вероятней всего влияние было двусторонним. Каменная архитектура, особенно храмовая, испытывала определенное влияние деревянного зодчества с его приемами двухскатной и четырехскатной кровли и пр., в свою очередь, деревянная архитектура усваивала и осваивала элементы каменного строительства в той мере, в какой они могли быть воспроизведены в принципиально ином строительном материале.

Небольшие сельские храмы строились по типу избы, в основе которой всегда лежит венец из четырех бревен, образующих при соединении квадрат или прямоугольник, а вся изба представляет собой несколько венцов, наложенных друг на друга – сруб, покрытый двускатной или четырехскатной крышей. Этот принцип сохранился и в более сложных сооружениях – теремах, дворцах, крепостных башнях. Иногда вместо четырехугольного сруба (четверика) сооружается восьмиугольный сруб (восьмерик). Принцип соединения четвериков и восьмериков прослеживается и в каменной архитектуры Руси вплоть до нового времени.

Чередование четвериков и восьмериков, особенно характерное для храмового зодчества, создало весьма распространенный на Руси тип двух- и многоярусных шатровых храмов – от небольших, односрубных или одностолпных церквей, до многостолпных соборов. Отдельные срубы (столпы) связывались между собой системой галерей, переходов, крылец. Все здания ставились на деревянные или каменные цоколи (подклеты), в которых размещались частично уходящие под землю подвальные помещения и входы в погреба, и подземные ходы.

Вопрос №14. Общая характеристика изобразительного искусства Древней Руси.

Поскольку иконопись пришла на Русь из Византии, живописная (цветовая) ее сторона сначала напоминала византийскую. Искусство Византии, в силу исторических условий его возникновения, было, в отличие от искусства Руси, аскетичным, что проявилось в цвете. Для византийской живописи характерны три основных цвета: красный, синий и зеленый. Красный цвет понимался как цвет Божественной творческой активности, голубой - как символ устремленности мира к Богу (цвет неба), зеленый - как символ гармонии всего Божественного Бытия.

Православная русская икона - полностью заслуга Руси. Основными в русской иконописи стали все семь цветов радуги. Семь цветов радуги соответствуют семи дням Творения, семи таинствам христианства. Особое значение имеют в иконописи белый цвет и цвет золота, Это символы Божественного Света, царственной славы и достоинства.

Следует отметить и такую характерную особенность древнерусского искусства, как отсутствие авторства. Это связано с византийским пониманием процесса художественного творчества как божественного откровения. Не художник - автор произведения, а Бог, вдохновивший его на создание картины. Личность художника в данном случае не важна. В силу этого имена художников, создавших шедевры древнерусской живописи, неизвестны. До наших дней дошло только имя Алимпия Печерского - автора мозаики Успенского собора Киево-Печерской лавры, жившего на рубеже XI-XII вв.

Древнерусская архитектура и изобразительное искусство, испытав значительное влияние Византии, получив с принятием христианства важный стимул, в целом развивалось на собственной основе. За сравнительно короткий срок была создана система общерусских художественных ценностей, которая сохранялась и в условиях раздробленности Руси. Особенности художественного творчества отдельных земель взаимно обогащали эту систему. Сохранившиеся и дошедшие до нас памятники архитектуры и живописи Древней Руси свидетельствуют о высоком уровне строительной техники, мастерстве и тонком художественном вкусе русских зодчих и живописцев.

Вопрос №15. Барокко в русском искусстве.

В России развитие искусства барокко, отразившего рост и укрепление дворянской абсолютной монархии, приходится на первую половину XVIII века. Стиль барокко в России обладал рядом национальных особенностей. Русское зрелое барокко отличалось от западного, в частности, наиболее ярко выраженного - итальянского, структурной ясностью и простотой плановых построений, тесной связью конструктивной основы и декорирующих её элементов. Другой отличительной особенностью русского барокко был его мажорный характер, активное использование ярких цветов в окраске, смелых колористических контрастов, включая золочение.

Исследователь древнерусского зодчества Николай Султанов ввёл термин «русское барокко», обозначив им допетровскую архитектуру Руси XVII века. Фактически под этим термином понималось «московское узорочье», сложившееся в 1640-х годах. Современные искусствоведы видят в узорочье скорее аналог маньеризма, а отсчёт истории русского барокко ведут с распространения в московской строительной практике восьмериков на четверике (церковь царевича Иоасафа, 1678). В эволюции русского барокко выделяют стадии «московского барокко» конца XVII века (различают нарышкинский, строгановский, голицынский стили), «петровское барокко» первой четверти XVIII в., «зрелое русское барокко» елизаветинского времен].

Русская архитектура барокко, достигшая величественного размаха в городских и усадебных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села и других, отличается торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов (арх. М. Г. Земцов, В. В. Растрелли, Д. В. Ухтомский). Сравнительно малоизвестную страницу в истории барокко составляет храмовое зодчество уральских заводов и Сибири; применительно к нему бытуют такие термины, как «уральское барокко» и «сибирское барокко».

Вопрос № 16. Классицизм в русской архитектуре, скульптуре, живописи.

Классицизм в России.

Расцвет русского классицизма относится к последней трети 18-1-й трети 19 вв., но уже в начале 18 в. отмечено творческим обращением (в архитектуре Петербурга) к градостроительному опыту французского классицизма 17 в. (принцип симметрично-осевых планировочных систем). Русский классицизм - этап, небывалый для России по размаху, расцвета русской светской культуры.

Архитектура.

Ранний русский классицизм в архитектуре (1760-70-е гг.; Ж. Б. Валлен-Деламот, А. Ф. Кокоринов, Ю. М. Фельтен, К. И. Бланк, А. Ринальди) сохраняет ещё пластику, обогащённость и динамику форм, присущую барокко и рококо.

Зодчие зрелой поры классицизма (1770- 90-е гг.; В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, И. Е. Старов) создали классические типы столичного дворца-усадьбы и крупного комфортабельного жилого дома, ставшие образцами в широком строительстве загородных дворянских усадеб и в новой, парадной застройке городов. Искусство ансамбля в загородных парковых усадьбах - крупный национальный вклад русского классицизма в мировую художественную культуру. В усадебном строительстве возник русский вариант палладианства (Н. А. Львов), сложился новый тип камерного дворца (Ч. Камерон, Дж. Кваренги}.

Особенность русского классицизма в архитектуре - небывалый масштаб организованного государственного градостроительства: разрабатывались регулярные планы более 400 городов, формировались ансамбли центров Костромы, Полтавы, Твери, Ярославля и др. городов; практика "регулирования" городских планов, как правило, преемственно сочетала принципы классицизма с исторически сложившейся планировочной структурой старорусского города.

Рубеж 18-19 вв. - крупнейшие градостроительные достижения в обеих столицах. Сложился грандиозный ансамбль центра Петербурга (А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, Ж. Тома де Гомон, позже К. И. Росси). На иных градостроительных началах формировалась "классическая Москва", застраивавшаяся в период её восстановления и реконструкции после пожара 1812 небольшими особняками с уютными интерьерами. Начала регулярности здесь были последовательно подчинены общей живописной свободе пространственной структуры города. Виднейшие зодчие позднего московского классицизма - Д. И. Жилярди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев.

Скульптура.

В изобразительном искусстве развитие русского классицизма тесно связано с петербургской Академией Художеств (основана в 1757). Скульптура русского классицизма представлена "героической" монументально-декоративной пластикой, составляющей тонко продуманный синтез с ампирной архитектурой, исполненными гражданского пафоса памятниками, элегически-просветлёнными надгробиями, станковой пластикой (И. П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин, В. И. Демут-Малиновскии, С. С. Пименов, И. И. Теребенёв).

Живопись.

Русский классицизм в живописи наиболее ярко проявился в произведениях исторического и мифологического жанров (А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмое, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев, ранний А. А. Иванов). Некоторые черты классицизма присущи также тонкопсихологическим скульптурным портретам Ф. И. Шубина, в живописи - портретам Д. Г. Левицкого, В. Л. Боровиковского, пейзажам Ф. М. Матвеева.

Воспрос №17. Товарищество передвижных художественных выставок.

19 век принято называть Золотым Веком, так как в это время искусство становится классическим. Пика своего развития русская культура достигает во второй половине 19 века. Это было связано с временем "великих" реформ Александра Второго.

В 1863 году 144 учеников Императорской Академии Художеств во главе с Иваном Николаевичем Крамским отказались выполнять дипломную работу на заданную тему и поэтому ушли из Академии (бунт четырнадцати). В 1870 году они организовали Санкт-Петербургскую Артель Художников - Это первое в истории России независимое творческое объединение художников. Позже она была преобразована в Товарищество Передвижных Художественных Выставок. Инициатором создания Товарищества выступил Крамской и Мясоедов. Основной смысл творчества передвижников - стремление приблизить искусство к народу. То есть деятельность художника понималась как служение Родине и выполнение патриотического долга. Первая выставка передвижников открылась в 1881 году в Петербурге, в здании Академии Художеств.

Большую роль в искусстве передвижников сыграл критик Владимир Стасов и меценат и купец Павел Михайлович Третьяков.

Появление Товарищества было связано с расцветом бытовой живописи, которую представляли Владимир Егорович Маковский, Николай Александрович Ярошенко, Василий Перов (Охотники на привале, Рыбачок), Григорий Маковский (Земство обедает), Илья Репин (Крестный ход в Курской Губернии)

Большую роль в творчестве передвижников сыграла историческая живопись. Николай Ге. Василий Суриков.

Религиозный жанр. Николай Ге "Что есть истина". Иван Крамской "Христос в пустыне".

Вопрос №18. Русская живопись в первой половине 19 века.

Для русского изобразительного искусства были характерны романтизм и реализм. Однако официально признанным методом был классицизм. Академия художеств стала консервативным и косным учреждением, препятствовавшим любым попыткам свободы творчества. Она требовала строго следовать канонам классицизма, поощряла написание картин на библейские и мифологические сюжеты. Молодых талантливых русских художников не удовлетворяли рамки академизма. Поэтому они чаще обращались к портретному жанру.

Кипренский Орест Адамович , русский художник. Выдающийся мастер русского изобразительного искусства романтизма, известен как замечательный портретист.

В первой половине XIX в. жил и творил художник Александр Андреевич Иванов (1806-1858). Всю свою творческую жизнь он посвятил идее духовного пробуждения народа, воплотив ее в картине «Явление Христа народу». Более 20 лет работал он над картиной «Явление Христа народу», в которую вложил всю мощь и яркость своего таланта. На переднем плане его грандиозного полотна в глаза бросается мужественная фигура Иоанна Крестителя, указывающего народу на приближающегося Христа. Его фигура дана в отдалении. Он еще не пришел, он идет, он обязательно придет, говорит художник. И светлеют, очищаются лица и души тех, кто ожидает Спасителя. В этой картине он показал, как говорил позднее И. Е. Репин, «угнетенный народ, жаждующий слова свободы».

В первой половине XIX в. в русскую живопись входит бытовой сюжет. Одним из первых к нему обратился Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847). Он посвятил свое творчество изображению жизни крестьян. Эту жизнь он показывает в идеализированном, приукрашенном виде, отдавая дань модному тогда сентиментализму. Однако картины Венецианова «Гумно», «На жатве. Лето», «На пашне. Весна», «Крестьянка с васильками», "Захарка", "Утро помещицы" отображая красоту и благородство простых русских людей, служили утверждению достоинства человека вне зависимости от его социального положения.

Его традиции продолжил Павла Андреевича Федотов (1815-1852). Его полотна реалистичны, наполнены сатирическим содержанием, разоблачающим торгашескую мораль, быт и нравы верхушки общества ("Сватовство майора", "Свежий кавалер" и др.). Свой путь художника-сатирика он начинал будучи офицером-гвардейцем. Тогда он делал веселые, озорные зарисовки армейского быта. В 1848 г. на академической выставке была представлена его картина «Свежий кавалер». Это была дерзкая насмешка не только над тупым, самодовольным чиновничеством, но и над академическими традициями. Грязный халат, в который облачился главный герой картины, очень уж напоминал античную тогу. Брюллов долго стоял перед полотном, а потом сказал автору полушутя полусерьезно: «Поздравляю вас, вы победили меня». Комедийно-сатирический характер носят и другие картины Федотова («Завтрак аристократа», «Сватовство майора»). Последние его картины очень печальны («Анкор, еще анкор!», «Вдовушка»). Современники справедливо сравнивали П.А. Федотова в живописи с Н.В. Гоголем в литературе. Обличение язв крепостнической России - основная тема творчества Павла Андреевича Федотова.

Все, что мы знаем, получено от общества. Мы постоянно обучаемся с самого рождения и до самой смерти, и это обучение идет через культуру, то есть разговоры, картины, книги, фильмы.

Антропология, помимо всего прочего, изучает вопрос возникновения культуры и ее взаимодействие с человеком. В свое время антропологов озадачил вопрос: "почему люди начали рисовать?" В глобальном смысле этот вопрос звучит так: "Почему, зачем, человеческие существа захотели изображать нечто на стенах своих пещер, что явилось первоосновой того мира, в котором мы сейчас живем - мир, где знания о мире передаются через искусство.

Предполагаю, что озадаченность антропологов может быть непонятна. Казалось бы, что тут неясно? Это же приятно, красиво и позволяет реализовать себя. Но, это нам приятно и красиво, современным людям. А буквально сто лет назад в крестьянских избах не было никаких украшений, кроме тех, что связанны с различными культами и верованиями. Не наслаждались крестьяне красотой. Не до этого им было. Они работали и самого понятия "наслаждение красотой" не знали. Ну, радуга. Ну и что? К солнцу, значит. Они не вздыхали так, как мы сейчас, что вот, мол, красота какая. Богатые люди, те да, те понимали искусство и умели ценить прекрасное, а крестьяне нет. Им некогда было.

Вот и получается, что 25000 лет назад, в эре палеолита, а именно столько лет назад появились первые наскальные полноцветные и объемные изображения животных, у человека тем более не было времени на любование красотой. Он еще бегал с палкой и привязанным к ней камнем. У человека сознание весь день было занято одним - поиском пропитания, борьбой за выживание и продлением рода. Когда на радугу любоваться?

Но между тем рисовать человек начал и, что самое интересное, рисовать начал животных. Животные изображены очень реалистично.

Как, с чего, человек вдруг бросил все и начал рисовать? А надо сказать, что изображения нарисованы в таких местах, куда не всякий здоровый достанет, так что гипотеза о том, что это инвалиды баловались от нечего делать, отпадает.

Чтобы ответить на вопрос: "ПОЧЕМУ ПОЯВИЛОСЬ ИСКУССТВО и предтечи его, наскальные рисунки?", надо представить, в чем заключалась жизнь древнего человека. Охота - для мужчин. Пещерное хозяйство - для женщин. А теперь вообразите себя древним охотником. От Вас зависит жизнь всей стаи. А Ваша способность продлить жизнь стаи зависит от зверя и Вашего искусства охоты. Зверь для Вас это неотъемлемая часть жизни, такая же, как искусство для современного человека.

Древний охотник живет охотой. Он все знает о повадках животных, их нраве, о том, как их лучше добыть. Охотясь, он ассоциируется с животным, вживаясь в него, становясь им, чтобы лучше чувствовать его.

Есть предположение, что это ассоциирование с животным развивает в древнем человеке ассоциативное мышление, что позволяет ему рисовать трехмерный мир на плоской стене, штрихами придавая рисункам трехмерность. Больше никакие животные не могут создавать трехмерных изображений. Только люди - Homo Sapiens sapiens.

Возможно, древний человек так же ассоциировал животного с членами своей стаи. Получается, что, убивая животное для пропитания, он убивает члена своей семьи, но и не убивать он тоже не может - это пища.

Видимо из-за этого противоречия - надо убивать и не надо убивать, и возник ритуал поклонения убитым животным. Цель ритуала - попросить прощения за убийство, чтобы животное не обиделось и в другой раз дало себя убить. А для того, чтобы животное не боялось смерти, древний человек совершил поразительное открытие - он придумал, как можно подарить животному вечную жизнь. Он изображает его образ на скале.

Нарисованный образ дает возможность поклоняться "до того как", чтобы заранее задобрить животное с целью облегчения охоты. Образу приносят подношения и возникают ритуалы, связанные с обрядом задабривания животных. Так возникали первые верования, которые в дальнейшем превратятся в религии.

Обращаю внимание на то, что первые изображения, а до них разного рода каменные и глиняные фигурки, служили для поклонения и задабривания, то есть искусство, которое возникло из этих артефактов, возникло на желании задобрить кого-либо. А для того, чтобы появилось желание задобрить, какие чувства должны быть в душе? Страх и вина. Древний человек боялся голода и чувствовал себя виноватым в убийстве животного. Средство для избавления - ритуал поклонения, то есть что-то похожее на религиозные ритуалы настоящего.

Одна из причин возникновения древнего искусства - страх, вина и проистекающее из этого желание задобрить, извиниться.

Надо добавить, что это не единственная причина. Если кратко, то существуют так же еще и следующие гипотезы:

1. искусство служит для привлечения полового партнера;

2. искусство рассматривается как игра, забава, отдых, оно удовлетворяет потребность в развлечении и эмоциональной разрядке ; ну и наконец прелюбопытнейшая гипотеза Я.Я. Рогинского.

3. искусство связанно с деятельностью организма, с аритмией мышления человека, но религиозный мотив в его древней интерпретации, на мой взгляд, был сильнее всего.